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CRÍTICAS

Si vas hacer un melodramón de llorar, no hay razón para que no lo hagas con inteligencia y profundidad, como han hecho los creadores de 'My Sister's Keeper'. Se fija en los matices y se toma tiempo para centrar la historia de una enfermedad en la gente a la que afecta.

Hay montajes esforzadamente emotivos con canciones sensibles y no se ahorra ocasión para el golpe de efecto lacrimógeno, pero hay una responsabilidad ética funcionando tras esas estrategias y, sobre todo, un puñado de extraordinarias interpretaciones."

Una cinta mejor de lo que cabía temer, para llorar a buen ritmo y, con suerte, reflexionar un poquito sobre la vida, la sanación, la familia y la muerte. Quizá no en ese orden.

Conmovedora hasta las lágrimas aunque poco maniquea. El sobresaliente trabajo de los intérpretes, sobre todo Abigail Breslin, aporta consistencia y credibilidad a un relato que bordea lo convencional.




Del pesebre a la cruz, ó Jesús de Nazaret

TÍTULO ORIGINAL

From the Manger to the Cross, or Jesus of Nazareth

5.5/10 B

AÑO

1912



DURACIÓN

60 min.

 


PAÍS

 


DIRECTOR

Sidney Olcott

MÚSICA

Película muda

FOTOGRAFÍA

George K. Hollister (B&N)

REPARTO

Robert Henderson-Bland, Percy Dyer, Gene Gauntier, Alice Hollister, Sidney Olcott, Samuel Morgan, James D. Ainsley, Robert G. Vignola, George Kellog, J.P. McGowan

PRODUCTORA

Kalem Company

GÉNERO Y CRÍTICA


Drama. Religión. Película muda / SINOPSIS: Primer largometraje de la historia basado en la figura de Jesucristo.


Pasa por ser la primera película sobre la vida de Jesucristo rodada en escenarios naturales propios de la historia, Palestina, Egipto, etc.

Es la primera película americana sobre Jesucristo. Muchas secuencias fueron filmadas en Tierra Santa. Indudablemente fue una gran esfuerzo para la época realizar la filmación, el hecho de que el rodaje incluya innumerables localizaciones en Palestina, incluso Egipto le confieren el valor de precursor de espectáculo de masas dentro del cine norteamericano. Olcott, que estaría al mismo nivel pionero que un Griffith o un DeMille aportó esa maestría común en todos ellos para planificar el filme en forma de guión, liberándolo así de ataduras teatreras, de encorsetamientos afines al retablo. Fue filmada como una serie de cuadros en los que se representan la vida de Cristo, cuya escenografía refleja la influencia de las acuarelas de James Tissot sobre el Nuevo Testamento. Una rareza. A raíz de esta superproducción de la época quedó el camino abierto para posteriores versiones de la vida de Jesús, que siempre, durante el cine mudo, estuvieron imbuidas de ese espiritualismo catequístico, con personajes ajustados a precedentes visiones pictóricas de artistas clásicos o aceptados por las autoridades eclesiásticas.

Monumental trabajo pionero en adaptar las secuencias del Nuevo Testamento desde la Anunciación hasta la muerte en Cruz del Salvador del mundo.

El filme resume de manera notable la vida de Jesucristo, desde su nacimiento, sus enseñanzas, su oposición al poder político y religioso, sus milagros y su muerte entre otras circunstancias.

El relato está basado en los santos evangelios, y en medio de la puesta en escena brillante para el año de realización aparecen intertítulos con citas textuales de los evangelios de los discípulos Marcos, Juan, Lucas y Mateo.

La obra es magnífica tanto desde la recreación de época como desde las interpretaciones gestuales de todos los actores, y lo que más me ha gustado es la fidelidad y la sobriedad con que se adapta tamaña historia de amor, de negación, de sacrificio, de salvación y de redención.

Obviamente que la historia es más que lo que se refleja en el filme, pero aquí lo valioso es el poder de condensación de tamaña narración. Son descriptos aspectos sumamente importantes de la vida Cristo, donde queda de manifiesto su personalidad y sus intenciones sin diálogos inclusive.

Además el filme cuenta con el agregado especial de haber sido filmado en Palestina, ello juega a favor de la ambientación de esta obra fundadora en reflejar en el celuloide la historia de amor más grande de la historia de la humanidad protagonizada por un hombre-Dios que hasta el día de hoy sigue dividiendo al mundo en creyentes y en ateos.

Tratamiento de la fe cristiana

Una de las particularidades del film, quizás la que más sorprende, es que no se muestra la Resurrección, puesto que, como el propio título advierte, acaba en la cruz. Como colofón aparece un letrero con las palabras que Jesús le dijo a Nicodemo: “Porque tanto amó Dios al mundo que dio a su Hijo único, para que todo el que crea en Él no perezca, sino que tenga vida eterna” (Jn 3,16).



Delgada línea roja (La)

TÍTULO ORIG.

The Thin Red Line 7.0/10 EXC

AÑO

1998



DURACIÓN

170 min.


PAÍS

 


DIRECTOR

Terrence Malick

GUIÓN

Terrence Malick (Novela: James Jones)

REPARTO

Sean Penn, James Caviezel (AKA Jim Caviezel), Nick Nolte, E. Koteas,

Ben Chaplin, Dash Mihok, John Cusack, Adrien Brody, John C. Reilly,

Woody Harrelson, Miranda Otto, Jared Leto, Will Wallace,

John Dee Smith, John Travolta, George Clooney, Nick Stahl, Thomas Jane, John Savage, Kirk Acevedo, Tim Blake Nelson, Larry Romano, Penelope Allen, Simon Billig, Mark Boone Junior.

PREMIOS

1998: 7 Nominaciones al Oscar, incluyendo mejor director, fotografía, bso, película
1999: Oso de Oro en el Festival de Berlín: Mejor película
1998: Nominada a los Premios Cesar: Mejor película extranjera
1998: 2 premios de Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director, fotografía

GÉNERO

Bélico | II Guerra Mundial

SINOPSIS

II Guerra Mundial, Isla de Guadalcanal, 1942. Un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército "C de Charlie" combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este grupo forma parte de las tropas enviadas para relevar a las unidades de infantería de marina agotadas por el combate.

CRÍTICAS

Portentosa, obra capital del cine moderno. Una obra maestra del cine bélico, o antibélico

Prodigiosa película a la que el tiempo le dará su justo lugar: la convertirá en ineludible clásico.

Cuando parece que asistimos al final de una obra maestra, continúa media hora más con interés irregular.


El absurdo de la guerra

Tercer trabajo de Terrence Malick, ese señor que ha hecho solo 4 películas en 32 años y aun así está considerado uno de los mayores autores norteamericanos vivos.

Sin llegar a los extremos casi anarquistas de El nuevo mundo (en el sentido de ignorar todas las reglas prestablecidas), se trata de una película bélica atípica porque pasa bastante de las batallas, de la emoción y todo eso, y más bien usa la guerra como excusa para hacer un montón de reflexiones filosóficas sobre el hombre, la naturaleza o el sentido de la vida. Constantes reflexiones interiores de los personajes interrumpen lo que sería el ritmo cinematográfico normal, y es mejor hacerse a la idea pronto y no ver la película esperando a que "pasen" las cosas, por así decirlo.

Con toda la controversia que siempre puede levantar este tipo de productos, y al margen de que la música y sobre todo la fotografía estén por encima del bien y del mal (pocas veces se habrán visto resultados tan pictóricos en una película de Hollywood), la peli me gustó mucho y me emocionaron los innumerables pensamientos que pasan por la cabeza de estas personas que de repente se ven en una situación que podría significar su muerte. Eso de la poesía es algo muy subjetivo, pero vamos, que a pesar de su evidente lentitud a mí me gustó.

Hay una escena en concreto que es sublime: los soldados americanos han llegado a Guadalcanal, y están avanzando por entre la maleza e inspeccionando la zona. En esto que aparece un indígena, una especie de anciano del lugar que se cruza con ellos tan tranquilo, con una expresión en su rostro de indiferencia y estupefacción a la vez. Para ese señor que vive allí tan pancho y al margen del resto del mundo, no podemos ni pensar en lo rocambolesco que le parecerá ver a hombres vestidos de uniforme caminando por una tierra que no es la suya y en la que nunca habían estado, y todo ello para matarse con otros hombres a los que ni siquiera conocen. Su mirada expresa perfectamente la distancia, el contraste, entre el indígena que vive en paz con la naturaleza (sin necesitar nada más) y los hombres que pelean entre ellos y ansían el poder aunque sea a costa de sus vidas. Pocas veces en la historia del cine el absurdo de la guerra estuvo plasmado de una manera tan elocuente y a la vez tan elegante. Javialacarga

Claves educativas

Es una película que requiere de una cierta preparación para verla. No es fácil ver películas como ésta, de desarrollo lento, que tiene mucha reflexión, mucho discurso, mucha meditación interior. Por eso hay que advertir y preparar a los alumnos para que no esperen una película de acción, porque se van a encontrar con algo que es diferente a lo que se tiene asociado con películas de guerra.

Puede servir también para educar la mirada y el oído para ver y escuchar algo distinto: para iniciar en la contemplación en la necesidad de tomar tiempo para disfrutar de la calma.

Quizás en un poco maniquea, en el sentido de que representa una vida idílica asociada a la naturaleza, frente a la vida de los hombres violentos, que destruyen todo lo que tienen a su lado movidos por la ambición. Sin embargo, llega un punto de unión muy interesante: El ser humano no está hecho para la guerra, para la pelea, para montar la vida para la victoria constante, porque en esa lucha se degrada, se empobrece y se destruye. Nada mejor que percibir la distancia, el contraste entre el indígena que vive en paz con la naturaleza, sin necesitar nada más, y los hombres que se pelean entre ellos y ansían el poder aunque sea a costa de sus vidas. La distancia es tan enorme que llega a caricaturizar la misión "tan sublime" de la conquista de la isla.

En este sentido se puede plantear alguna reflexión sobre la competitividad de nuestra sociedad, cómo se genera una lucha por el triunfo y el prestigio social o la fama, aun a costa de perder lo que realmente importa, como la dignidad, el respeto a uno mismo y la consideración hacia los demás.



Delitos y faltas

TITULO ORIGINAL

Crimes and Misdemeanors 8.2/10 MB

AÑO

1989



DURACIÓN

104 min.

 


PAÍS

DIRECTOR

Woody Allen

GUIÓN

Woody Allen

REPARTO

Woody Allen, Alan Alda, Claire Bloom, Anjelica Huston, Daryl Hannah, Mia Farrow, Martin Landau, Jerry Orbach, Caroline Aaron, Sam Waterston, Claire Bloom, Daryl Hannah.

GÉNERO Y CRÍTICA



1989: 3 Nominaciones al oscar: director, guión y actor secundario (Martin Landau) / Drama. Comedia / SINOPSIS: Judah y Clifford son dos hombres enfrentados a sendos dilemas morales de diferente gravedad. Judah, reputado oftalmólogo, pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona. Su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por su parte, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado, al que desprecia.

Maravillosa película en la que Allen mezcla con muchísimo talento drama y comedia. Magistral final


Temática: Decisiones éticas  y culpa

Ética. La película describe el conflicto y la tensión que se vive ante determinadas decisiones que nos obligan a cuestionarnos nuestra estructura moral y nuestras decisiones éticas.

Culpa. La historia muestra las consecuencias que se generan ante una decisión ética. Toma la culpa como punto de partida de un recorrido en el que se cuestiona la existencia de una norma superior, la justicia e incluso el sentido de la vida.

Sugerencias para ver y escuchar la película

Una película se puede ver y escuchar de muchas maneras. Ofrecemos unos puntos de referencia. Concretamente, sugerimos ver y escuchar la película…

hacia adentro. Reflexionar sobre lo que la película nos sugiere en primera persona y sobre las preguntas que nos plantea en nuestra propia vida. No pretendemos buscar respuestas definitivas, atendemos a las resonancias que nos deja.

hacia fuera. Promover un coloquio sobre la película en familia o en grupo. No se trata de llegar a conclusiones. Compartimos lo que hemos sentido y percibido e intentamos escuchar y entender la percepción diferente de los otros.

no sólo con la cabeza, también con el corazón. Se trata de dejar por un momento a un lado los prejuicios ideológicos o ideas preconcebidas para que, al hilo de lo que nos cuenta la película, puedan hablar los sentimientos.

y después de algún tiempo repensar. Estar atentos al poso que la película deja después de unos días. Ese «poso» es una impresión en la que se funden nuestra reflexión sobre lo que hemos visto y la vida propia que la historia cobra en nosotros/as.

Algunas preguntas…

antes de la película

·Sobre la ética: ¿qué es la ética y qué supone en mi vida?

·Sobre las decisiones: ¿Qué tenemos en cuenta cuando tomamos una decisión?

·Sobre la libertad: ¿Qué supone actuar libremente? ¿Hacer lo que queremos?

después de la película

·¿Compensa actuar éticamente? ¿Por qué? La película nos da una respuesta pero deja la pregunta abierta.

.¿Es posible lo que plantea la historia con respecto a Judah, es decir, es posible volver a una vida anterior al asesinato como si nada hubiera sucedido? ¿Nada ha cambiado?

.¿Qué relación hay entre las normas y la libertad? ¿Qué diferencia hay entre moral y ética?

Con la colaboración de Begoña Gómez

Los ojos de Dios

Judah Rosenthal es un maduro oftalmólogo judío. Su vida acomodada transcurre con placidez: en el terreno personal, se encuentra felizmente casado; en el ámbito social, su prestigio dentro de la profesión, además de su sensibilidad humanitaria, lo convierten en el paradigma perfecto de admirable triunfador. Pero esa existencia dichosa empieza a enturbiarse: desde hace un par de años vive una aventura adúltera con una azafata, Dolores. Justo cuando ya ha decidido terminar con esta historia, su amante comienza a presionarle para que confiese todo a su mujer y establezca con ella una relación duradera. No obstante, él no está dispuesto a renunciar a lo que ha conquistado a lo largo de su vida. Jack, un hermano de Judah de vida criminal y disoluta, le insinúa la solución al problema: eliminar a la mujer. Judah se escandaliza, pues le parece intolerable y aberrante el crimen, pero cuando la situación se vuelve insostenible, da carta blanca a su hermano para que contrate a un asesino a sueldo. Tras el homicidio y después de unos meses de zozobra, sentimiento de culpabilidad y desesperación, Judah se levanta una mañana de nuevo en paz. La crisis ha pasado y la vida continúa fluyendo con serenidad para nuestro personaje.

Lo que acabo de relatar es, en esencia, parte de la trama de Delitos y faltas, una de las películas más conseguidas y ricas del genial Woody Allen. Se trata de una narración coral, con varios hilos argumentales. Yo sólo he esbozado la historia que constituye la columna vertebral de esta obra. He prescindido en mi sinopsis a propósito del elemento religioso, que añade una densidad especial al relato y lo torna significativo para el artículo que estamos escribiendo. Ahora lo retomo: Judah se nos presenta como un hombre de ciencia, escéptico respecto a la existencia de cualquier Dios. Sin embargo, su educación judía gravita continuamente sobre su conciencia: de pequeño, su padre insistió una y otra vez en la imagen de los ojos de Dios. Es su mirada, penetrante e intensa, la que garantiza el orden moral del mundo, la que lo dota de estructura y sentido. Judah, a pesar de esas enseñanzas, cree que el universo en realidad es cruel y despiadado, carece de valores, de dirección, de trascendencia. Sólo tras la ejecución del crimen comenzará a notar sobre su alma algo así como el peso de las pupilas de Dios. Sin embargo, en última instancia, la película quiere demostrar cómo la inicial teoría nihilista de Judah acaba por imponerse: después de su atroz decisión moral (matar a otro ser humano), nuestro personaje no recibirá castigo de ningún tipo, incluso su conciencia, con el paso del tiempo, acabará por asimilar su terrible comportamiento. Al final de la película, Judah reconoce cómo sus peores temores se han cumplido, satisfactoriamente para él, valga la paradoja: no existe Dios que vigile y rija la realidad; no hay ojos que nos miren y, por tanto no impera ni justicia divina ni misericordia suprema. En el fondo, el hombre está sólo en el cosmos: la ley del más fuerte se impone una y otra vez en todos los ámbitos. Ante esto, la película insinúa que sólo el amor humano es capaz de dar cierto sentido al universo indiferente, de calentar mínimamente los rincones gélidos de una existencia sin norte.

Woody Allen ha manifestado una y otra vez su descreimiento hacia cualquier más allá, sobre todo porque su existencia no se pone de manifiesto de ningún modo en nuestro “más acá”. En la película, como contrapunto a Judah, se nos presenta a Ben, un bondadoso rabino judío, que encarna al hombre religioso. De forma intencional, mientras Judah es oftalmólogo, es decir, un profesional de la mirada, Ben, paciente de este, irá perdiendo paulatinamente la vista. Uno, el oftalmólogo de éxito, ve el mundo, su auténtica y desoladora consistencia; el otro permanece ciego a él, vive en el engaño feliz que le proporciona su fe. A pesar de su ateísmo, Woody insinúa que la fe es un don, puesto que, aunque se trate de un error, de una construcción imaginaria puramente humana, permite vivir mejor que la duda. En una escena de la película en la que Judah recuerda una cena familiar, su padre, hombre, como ya hemos dicho, profundamente religioso, confiesa terminantemente preferir la fe a la verdad, ya que aquella proporciona la guía en la vida que no garantiza el auténtico conocimiento: ese que nos enseña antes que nada los sórdidos principios rectores del mundo.




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