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Espíritu de la colmena (El)

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Espíritu de la colmena (El)

TITULO ORIGINAL

El espíritu de la colmena 8.0/10 B

AÑO

1973



DURACIÓN

94 min.


PAÍS

DIRECTOR

Víctor Erice

GUIÓN

Ángel Fernández Santos & Víctor Erice

REPARTO

Ana Torrent, Fernando Fernán-Gómez, Isabel Tellería, Teresa Gimpera,

Laly Soldevilla, José Villasante

GÉNERO Y CRÍTICA

1973: San Sebastián: Concha de Oro / Drama / SINOPSIS: Ocurrió en un pueblo castellano a mediado de los años cuarenta. Un domingo, dos niñas de ocho y seis años, Isabel y Ana, vieron la película "El Doctor Frankenstein". La pequeña Ana, luego empezó a preguntar a la mayor por el monstruo. Un día Ana desapareció de la casa. Mientras todo el pueblo la buscaba, ella, reflejado por la luz de la luna en la corriente del río consiguió ver al monstruo Frankenstein. Y desde entonces lo sigue invocando…

"Uno de los clásicos de nuestro cine (...) magnífico trabajo de Ana Torrent, ambientes conseguidos, imágenes que por sí solas lo dicen todo y un guión, firmado por el propio director y Ángel Fernández Santos, de infinitas posibilidades dada su calidad. Muy buena


El espíritu de la colmena es encerramiento, mentira, hipocresía, opresión del poder; el espíritu de la tierra es libertad, verdad, solidaridad cariñosa, pureza de niños. La pequeña Ana descubrirá la dolorosa diferencia entre ambos en el encuentro con otro Frankestein creado por la sociedad y cercano a ella.

El espíritu de la colmena es hoy un film de referencia obligada en la historia del cine español, que supuso una revolucionaria sorpresa en el contexto de los años setenta. El film no se agota en la recreación de la España de la posguerra sino que sus significaciones apuntan a la naturaleza profunda del ser humano en su iniciático enfrentamiento con la "realidad", la "ficción" y la "muerte", a la eterna dialéctica entre lo individual y lo social, y a la esfera de lo mítico-religioso. Esta película de Víctor Erice, con un eficaz trabajo en la puesta en escena, consigue impactar al espectador, invitando a reflexionar también sobre la naturaleza del propio cine.

Introducción:

El origen del título, explica Erice, es el siguiente: "El título, en realidad, no me pertenece. Está extraído de un libro, en mi opinión, el más hermoso que se ha escrito nunca sobre la vida de las abejas, y del que es autor el gran poeta y dramaturgo Maurice Maeterlinck. En esa obra, Maeterlinck utiliza la expresión "El espíritu de la colmena" para describir ese espíritu todopoderoso, enigmático y paradójico al que las abejas parecen obedecer, y que la razón de los hombres jamás ha llegado a comprender".

La proyección de esta película fue tan exitosa como desconcertante. Nada preveía que despertase la atención repentina de cinéfilos del mundo entero, que consideran que éste es uno de los mejores filmes del cine español. Testimonio de tal grado de aceptación es la sucesión de premios que recibió inmediatamente después de proyectarse por primera vez durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recibió la Concha de Oro, premio, por otra parte, que no había recibido anteriormente ningún otro filme español exhibido en ese concurso. Poco después, obtendrá galardones como el Hugo de Plata en Chicago (EE.UU.), el premio de la Crítica de Londres a la Mejor Primera Obra y a la Fotografía del Año. En 1974, consigue el premio de la Confederación Internacional del Cine, Arte y Ensayo Europeo de Turín (CICAE), a la mejor película de Arte y Ensayo, un Fotogramas de Plata para Ana Torrent, por votación popular; premios del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC), etc. Los éxitos cosechados permitieron recuperar en más de tres veces la inversión inicial, que se acercó a los 60.000€. Asimismo, la película supuso el comienzo de la carrera artística de la verdadera protagonista de la cinta, Ana Torrent, que fue descubierta por Erice en el mismo colegio donde ella estudiaba.

El impacto político de El espíritu de la colmena no es comparable al que han causado otros filmes, aunque Erice identificaba una suerte de censura que impone la tiranía del mercado, y que, a su juicio, "...es mucho más infranqueable que la de Franco, porque ésta no admite fisuras". El argumento de la película parte de un guión escrito por Ángel Fernández Santos y Víctor Erice, inspirado, a su vez, en el mito y en la contemplación. Por un lado, el mito de Frankenstein que, alegóricamente, se invoca como un canto a la vida, y por extensión, a la misma creación. En segundo lugar, la contemplación de una sociedad instintiva, pero perfectamente organizada, como la de las abejas da una idea del estado de letargo que subyuga a toda una familia, que no puede renunciar al hermetismo terapéutico en el que ahogan sus deseos y frustraciones

Argumento

Parafraseando a Víctor Erice, El espíritu de la colmena "...arranca de la proyección de la primera película que se hizo sobre Frankenstein (de James Whale) en 1933, en un pueblo de la meseta castellana". Y sin abandonar el rastro del monstruo, no duda en insertar un texto perteneciente a la cinta: "El productor y los realizadores de esta película no han querido presentarle a usted, sin antes hacerle una advertencia. Se trata de la historia del Doctor Frankenstein, un hombre de ciencia que intentó crear un ser vivo sin pensar que eso sólo puede hacerlo Dios. Es una de las historias más extrañas que hemos oído. Trata de los grandes temas de la creación: la vida y la muerte. Póngase en guardia, tal vez le escandalice, incluso puede horrorizarle. Pocas películas han causado mayor impresión en el mundo entero, pero yo les aconsejo que no la tomen muy en serio".

La sala asiste a esa inesperada sesión, embargada por el miedo. Por el contrario, Ana, espoleada por la curiosidad, se decide a explorar el mito, que introduce en su propio imaginario, involuntariamente. El padre de Ana se sumerge en la contemplación de la incesante y frenética actividad de las abejas, y cuando no, en un pasado que compartió con intelectuales de la categoría de Miguel de Unamuno, abstraído, a la manera de los personajes de Niebla, novela de tan insigne autor. Teresa, la madre de Ana, escribe cartas para un destinatario desconocido. Y por último, su hermana Isabel finge dominar el miedo a la incertidumbre o a los fantasmas que la naturaleza humana no puede soterrar.

Ana no duda en invocar al monstruo, con la certeza de que la maldad que se le atribuye en la película no le hace justicia. Y un buen día acude a un caserón abandonado en medio de un terruño, con la esperanza de dar con él. Vuelve una y otra vez, y en una de sus incursiones descubre, para su sorpresa, a un fugitivo que poco antes había saltado de un tren que pasaba por el pueblo. El fugitivo se le antoja a Ana una materialización aproximada de sus deseos. Sus furtivos encuentros con él, forjan un vínculo basado en una relación muda, cuyo silencio Ana rompe por una sola vez, cuando le ofrece una manzana que traía consigo desde su casa.

Una noche el fugitivo es abatido a tiros, y este hecho espeluznante empuja a Ana a buscar en el bosque al verdadero Frankenstein, cuyo rostro creerá ver reflejado sobre el agua de un estanque. Una extraña y sorprendente prolongación del relato fílmico recupera el "gran sueño frankensteniano del siglo XIX: la recreación de la vida y el triunfo simbólico sobre la muerte" (Noël Burch). Por otro lado, del mismo modo en que el cine nos retrotrae a un pasado teñido de nostalgia, como es el caso, de Cinema Paradiso, también alimenta el imaginario de un niño cuya desbordante fantasía puede ayudarle a madurar. De hecho, la huida de Ana hacia la realidad, que no coincide con la percepción que de ésta tiene el resto de su familia, simboliza la búsqueda de sí misma, por medio de la comprensión del mundo que le rodea.

Por otra parte, la identificación a través del nombre, del personaje con el actor (los personajes de la casa han tomado los nombres de los actores que los interpretan) sella la unión entre una representación de la realidad y la realidad misma. Fernando y Teresa adoptan pautas de conducta heredadas de un pasado traumático y común a personas de la misma generación, han vivido la Guerra Civil. Ana e Isabel simbolizan a una generación joven a la que aún le queda mucho por vivir. No obstante, la vida de todos los personajes (aunque más, la de los personajes principales) refleja con mucho, la situación de una sociedad de posguerra dominada por el dolor y la resignación, que contrasta con otra, la sociedad que surgirá de una nueva generación, y que es heredera y deudora del empeño que en ellos ponen sus padres y preceptores por reconstruir un país maltrecho.



Esplendor en la hierba

TÍTULO ORIG.

Splendor in the Grass 7.9/10

AÑO

1961

DURACIÓN

124 min.

PAÍS

DIRECTOR

Elia Kazan

REPARTO

Natalie Wood, Warren Beatty, Pat Hingle, Audrey Christie, Barbara Loden,

Zohra Lampert, Sandy Dennis, Phyllis Dillier, Gary Lockwood

PREMIOS

1961: Oscar: Mejor guión original. 2 nominaciones

GÉNERO

Romance. Drama | Drama romántico. Melodrama. Años 20. Años 30. Gran Depresión

SINOPSIS

En una localidad rural de Kansas, dos jóvenes se aman y, desde el primer momento, deciden no separarse jamás, pero la desaprobación de sus familias y los intereses ajenos a sus sentimientos son los que decidirán su suerte.

CRÍTICAS

Incomprensiones generacionales y amores juveniles se enfrentan en este emotivo melodrama que contó con una encantadora pareja. Romanticismo en estado puro


"Coged las rosas mientras podáis..."

¿Es el retrato de una histérica relación de amor adolescente entre dos atolondrados lo que nos emociona de "Esplendor en la Hierba"? No.

¿Es la forzada separación de unos amantes a causa de la represión sexual y los prejuicios sociales? Desde luego que no.

¿Es la desesperación de Deanie, el distanciamiento de Bud, la supuesta crueldad de los padres de ambos? No y mil veces no.

¿Es la sensación de que hemos contemplado el advenimiento de un amor fuera de lo común? Rotundamente no.

Porque Elia Kazan no habla sobre el amor, aunque la historia que vertebra la película es una historia de amor. Los amores de Bud y Deanie son tan vulgares como otros amores cualesquiera y no superarían jamás la prueba del tiempo: son dos seres perfectamente mediocres perdidos en un mundo que se los va a comer vivos tal y como ha devorado antes a otros mejores que ellos.

No, no se trata de eso. Todo el secreto significado de la película se desvela cuando Deanie lee en voz alta los versos de Woodsworth: "Aunque ya nada pueda devolvernos la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no debemos afligirnos, porque la belleza subsiste en el recuerdo". Porque entonces es cuando nos damos cuenta de que todo cuanto en verdad lamentarán los personajes no es la pérdida de su amor, sino la de su juventud. Y eso es lo que de verdad emociona y duele en "Esplendor en la hierba". La fugacidad del tiempo, el recuerdo de unos instantes que parecieron iluminados por el fulgor de lo recién descubierto por primera vez en la vida: las rosas.

Eso duele. Y por tanto, voy a decir que he visto esta película una sola vez: y no volveré a verla jamás a menos que algún día sea lo suficientemente mayor para haber olvidado lo que significaba ser joven.

Esta película es un canto al amor, a la pasión, a la desesperanza, al dolor y al abandono total. Todas las grietas que contiene el sentimiento mas antiguo del mundo, y el que nos ha salpicado y salpicará siempre, azotándonos con su hedor y su soledad mas absoluta. Nunca la humanidad supo predecir el futuro de una persona, nunca en la existencia del hombre la palabra final forma parte de nuestro vocabulario, cuando sentimos las palpitaciones de un corazón de adolescente vivo en el interior de nuestro maduro cuerpo .....Estos pensamientos traen a mi mente el recuerdo de este film trascendental en mi vida: primero porque cuando lo vi desconocía la entrega total, y ahora cuando siento míos esos planos finales entre Warren y Natalie, lamentando con la mirada lo que son y lo que su vida hubiera podido ser, se me desgarra mi interior cuando veo alejarse el coche....los ojos terroríficos en el rostro de una mujer nueva, sintiendo sus latidos interiores, viviendo una vida sin sentido y una belleza que siempre subsistirá al recuerdo de sus años de esplendor en la hierba... ¡Tremendo final...... ! ¡Lamentable final!....

Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello, que me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse. Porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo...”





Esta tierra es mía

TITULO ORIGINAL

This Land is Mine 8.2/10 EXC

AÑO

1943

 


DURACIÓN

103 min.

 


PAÍS

DIRECTOR

REPARTO

Jean Renoir

Charles Laughton, Maureen O'Hara, George Sanders, Walter Slezak,

Kent Smith, Una O'Connor, Philip Merivale, George Coulouris.

GÉNERO Y CRÍTICA



Drama. II Guerra Mundial / SINOPSIS: Retrato de cómo la ocupación alemana afecta a diferentes personas en la sociedad. Arthur es un profesor francés tímido y muy cobarde. Pero recupera su dignidad con el discurso que da sobre la libertad durante su juicio por un asesinato que no cometió. Louise Martin se da cuenta que la libertad vivirá a través de la educación de los jóvenes. Su hermano toma parte en sabotajes contra los Nazis. George Lambert, un conductor de trenes, colabora con los nazis pensando que así logrará la paz y la seguridad...

Segundo film americano de Renoir. Obtuvo muy buenas críticas.

"Creo que tiene la humanidad y la veracidad de las mejores películas de Renoir. Y aughton, como siempre, está genial."


El mismo año que se estrenó este film de la RKO también se estrenó la excelente Los verdugos también mueren, de Fritz Lang y con texto de Bertolt Brecht. Las dos películas son ejemplos de propaganda contra la amenaza nazi, escritas con talento, rodadas con gusto y magníficamente interpretadas. Esta tierra es mía, del también inmigrante Jean Renoir, es una película con vocación política, pero a la vez tremendamente humana, una gran historia que no caduca por el hecho de haber servido al noble fin que sirvió.

Uno de los principales artífices de esta joya es Dudley Nichols, fabuloso guionista de Gunga Din y La diligencia, que aquí también ejerció de productor junto a Renoir. El film es un valiente ejercicio de civismo ante el totalitarismo (cualquiera, no sólo el nazi), una llamada de atención a los niveles de corrupción a los que puede llegar un pueblo por miedo o por la avaricia de aprovechar una situación como la ocupación militar de un país por otro. Esta tierra es mía es un film sobre el sacrificio y también sobre la cobardía que le precede.

¿Y qué mejor cobarde que el gran Charles Laughton? El trabajo que hace este gigante como el pusilánime maestrillo de escuela Albert Lory forma parte de la abultada galería de grandes personajes que este divo difícil representó en su dilatada carrera. Lo que hace con su desagradable careto, su fofo físico, sus gestos de pavor, con lo denteroso que podía llegar a ser, se contrarresta sorprendentemente con el giro que toma el personaje en el último tercio de la cinta.

A su lado Maureen O'Hara, musa fordiana que defiende con su habitual fuerza y belleza su atormentado personaje, una Louise Martin a la que Renoir y su fotógrafo Frank Redman le regalaron un primer plano en el juicio final que es de pura antología, oigan.

Junto a los protagonistas tampoco desmerecen George Sanders como el traidor, Walter Slezak como el coronel y la maravillosa Una O'Connor (que trabajó junto a Laughton en Testigo de cargo y salía en una secuencia eliminada de Qué verde era mi valle) como la madre.

Entre lo más maravilloso de este film me quedo con las secuencias paralelas en las que Laughton y O'Hara tienen que obligar a sus alumnos a arrancar páginas de la historia de sus libros de texto (algo que se sigue haciendo hoy pero de manera más sibilina), la demostración de cobardía de Laughton en el refugio, el discurso colaboracionista de Sanders, el fusilamiento y el magnífico discurso en el juzgado de Laughton.

Si no fuera por el pegote final, en el que Laughton y O'Hara leen a sus firmes alumnos la Declaración de Derechos del Hombre, Esta tierra es mía hubiese sido una obra maestra. Un sacrificio comprensible a tenor de quién mandaba en media Europa por aquel entonces.

Es maravilloso ser profesor. Da sentido a la vida. Se sacrifica mucho y se recibe mucho a cambio. Ahora somos lo más importante del país. Debemos sacrificarnos y trabajar más que nunca. El alcalde vino esta mañana y habló del deber. Yo preferí usar la palabra “profesión”. Hay que quemar esos libros y así lo haremos. No podemos resistir físicamente, pero si moralmente. Nosotros conocemos esos libros, tenemos la verdad. No podrán destruir la verdad sin destruirnos a nosotros. La verdad no morirá si los niños nos siguen.”


Estación central ver Central de Brasil


Ester Reina de Persia

Año:

1998 B

Director:

Raffaele Mertes

Actores:

Louise Lombard, F. Murray Abraham and Jürgen Prochnow. With Thomas Kretschmann, Frank Baker.

Duración:

94 min. aprox.

Cuenta la historia de la reina de Persia, Esther, la judíaquien arriesga su propia vida para salvar a su gente. Durante el reinado de Jerjes en Persia, el pueblo de Israel es perseguido hasta la muerte por Haman, primer ministro del Rey. El rey Asuero, sin embargo, tenía un consejero privado judío, Mordecai...






Estrategia del caracol (La)

TITULO ORIGINAL

La estrategia del caracol 7.3/10 EXC

AÑO

1993

 


DURACIÓN

105 min.

 


PAÍS

DIRECTOR

Sergio Cabrera

REPARTO

Frank Ramírez, Fausto Cabrera, Florina Lemaitre, Humberto Dorado,

Delfina Guido, Víctor Mallarino, Salvatore Basile

GÉNERO Y CRÍTICA



1993: Valladolid: Espiga de Oro / Drama / SINOPSIS: Los vecinos de uno de los barrios más pobres de la ciudad colombiana de Bogotá luchan para evitar el derribo de la casa dónde viven, propiedad de un millonario sin escrúpulos. Defendiendo el edificio contra jueces y policías, planean una original estrategia ideada y dirigida por Don Jacinto, un viejo anarquista español. La lucha contra los especuladores y los corruptos está perdida antes de empezar, pero los vecinos están dispuestos a hacer lo que sea para defender su dignidad.

Maravillosa comedia que arrasó tanto en Colombia como en el resto de países de LA.


Valores: ética, solidaridad, compromiso, lucha social noviolenta… El pueblo sencillo revela su inagotable creatividad, tesón y solidaridad.

Es la historia de un grupo de inquilinos que comparten una vieja casona y se ven enfrentados a un inminente desalojo. Liderados por un estudiante de leyes, los inquilinos logran evitar varias veces la expulsión de la casa mediante triquiñuelas jurídicas. Sin embargo, el desenlace se precipita cuando el juez les notifica que tienen un plazo de diez días para abandonar la casa.

Ante esta situación, Jacinto (un anarquista español exiliado), propone una ingeniosa alternativa: "La estrategia del caracol". Impulsados por el concepto de mantener viva la dignidad, los inquilinos despliegan un serie de ingeniosos recursos en cuyo proceso todos se transforman en sus contrarios: el ladrón se vuelve honrado, el travesti, hombre, y el cura cómplice. El final de esta confrontación es la victoria de lo imposible y por lo demás, insólito.

Objetivos pedagógicos

  • Valorar los sentimientos, las motivaciones y los principios morales que mueven a los protagonistas de la historia, dispuestos a luchar hasta el final por su honor y su dignidad.

  • Apreciar los recursos narrativos y expresivos utilizados por el director para conocer las vivencias y las relaciones que se establecen entre los vecinos del edificio.

  • Comprender el valor simbólico de los vecinos del edificio, extrapolables a cualquier otro sitio del mundo (y no sólo a América Latina) por su diversidad cultural y sus diferencias sociales, ideológicas y políticas.

  • Apreciar el enfrentamiento que se establece en la película entre el grupo de vecinos, un colectivo heterogéneo unido por un objetivo común, y la burocracia y las autoridades, grupos homogéneos de poder en qué la comprensión, la tolerancia y la humanidad brillan por su ausencia.

  • Comprender y valorar las diferencias políticas e ideológicas que se establecen entre los vecinos del inmueble a partir de su visión sobre la estrategia que tienen que seguir, especialmente el enfrentamiento entre Don Jacinto, el viejo anarquista, y Justo, el joven comunista.

  • Conocer las características fundamentales de la sociedad colombiana actual, extrapolables a la práctica totalidad del América Latina, con ciudades subdesarrolladas en las que coexisten zonas ricas y lujosas y zonas pobres y semiabandonades.

  • Aproximación a la figura del director colombiano Sergio Cabrera.

Procedimientos

  • Identificación de los valores morales y éticos en qué se inspira el film para construir dos grupos / modelos tan diferentes: el grupo de vecinos del edificio y las autoridades y la burocracia colombiana.

  • Análisis del proceso de creación y realización de la estrategia del caracol por parte de los vecinos, un objetivo imposible conseguido gracias a la unión y al trabajo conjunto de todos los protagonistas.

  • Valoración de la película de Sergio Cabrera como reflejo de unas diferencias sociales y de clase claramente inspiradas en la realidad.

  • Análisis de la estructura narrativa y temporal del film: ¿quién y cuando explica la historia?, ¿cuanto tiempo transcurre desde el principio hasta el final?, ¿qué papel juegan los medios de comunicación en el desarrollo del conflicto?

  • Atribución a cada uno de los personajes de un valor simbólico dentro de la narración: ¿hay un personaje protagonista?, ¿qué modelos de comportamiento y qué principios defensa?, ¿qué personajes le rodean?, ¿qué representa cada personaje?

  • Análisis de la forma visual del film: iluminación, banda sonora, ambientación, escenografía, vestuario, recursos narrativos y recursos técnicos (tipo de planos, movimientos de cámara, etc.).

Actitudes

  • Desarrollar una actitud crítica respeto a cualquier forma de violencia, intolerancia, discriminación y respeto a las diferencias sociales y de clase.

  • Comprender el valor simbólico del grupo de vecinos, representación de la fuerza de la unión y de lucha pacífica e inteligente por el honor y la dignidad.

  • Valoración crítica del final del film.


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